méridien 2019 

Les finissants du Baccalauréat en arts visuels ont le plaisir de présenter: MÉRIDIEN 2019

Le méridien est défini comme un point haut. Cette exposition est notre méridien, le point culminant de notre développement artistique au cours des quatre dernières années. La connotation géographique de Méridien indique également la diversité des perspectives présentes dans l’exposition. Méridien comprend des travaux en peinture, sculpture, vidéo, photographie et installation.

Ci-dessous une liste des artistes participants:


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MERIDIAN 2019

The graduating Bachelor of Fine Arts class is pleased to present: MERIDIAN 2019

Meridian is defined as a high point. This exhibition is our meridian, the culmination of our artistic development over the past four years. Meridian’s geographical connotation also indicates the variety of perspectives present in the exhibition. Meridian includes work in painting, sculpture, video, photography, and installation

Bellow is a list of the participating artists:

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ALLYSSA MARSDEN

En tant qu’artiste, j’explore et examine la complexité de pensées subconscientes et conscientes en juxtaposant et en obscurcissant les paysages de rêve et la réalité.  J'utilise des images telles que de nouvelles photos, des photos trouvées et des images vectorielles pour créer des espaces oniriques, tout en établissant des liens avec mes pensées,  souvenirs et émotions. Lorsque nous rêvons, notre conscient ne peut pas se souvenir de tous les détails de ce que nous avons vu dans nos vies quotidiennes. Au lieu de ça, il rappelle l’idée de base de ce que nous avons vu et vécu et permet à notre subconscient de remplir les informations manquantes. Mon travail me permet d'expérimenter avec différentes méthodes pour combiner le réel avec l'artificiel.

As an artist, I explore and examine the complexity of the subconscious and conscious minds by juxtaposing and obscuring dreamscapes and reality. To accomplish this, I use photographic imagery such as new photos, found photos, and vector images to create dreamlike spaces while making connections to personal thoughts, memories, and emotions. When we dream, our conscious mind cannot remember every detail of what we have seen in our day to day lives. Instead, it recalls the basics idea of what we’ve seen and experienced and allows our subconscious mind to fill in the missing information. Through my art, I experiment with various methods to combine the real with the artificial.


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ANNE-MARIE KACZMARCZYK

Mon travail est le produit de l'exploration de mon identité à travers l'utilisation de la photographie et des médias. J’ai utilisé la photographie pour capturer et documenter «les coulisses» du mode de vie de mes coéquipiers en tant qu’athlète de l’équipe de natation des Gee-Gees. Cependant, j'ai été confronté à de nombreux changements de vie au cours de la dernière année; l'un étant la retraite de mes 15 ans de carrière en natation et l'autre la perte de mon père. J'ai découvert que, tout en anticipant la fin de ma carrière sportive, les gens développent un fort sentiment d'adaptation. Faire face à des changements imprévus dans la vie implique de faire face à ses propres sentiments. Tout en faisant face à des sentiments contradictoires de réalité, de tendresse et d’absence. Je travaille à explorer ces thèmes à travers l’art médiatique.

My body of work is the product of the exploration of my identity through the use of photography and media. I have used photography to capture and document the “behind the scenes” of my teammates’ lifestyle as varsity athletes of the Gee-Gees swim team. However, I was faced with many life changes over the past year; one being the retirement from my 15 year swimming career, and the other the loss of my father. I discovered that while anticipating the end of my athletic career, people develop a strong sense of adaptation. Part of dealing with unforeseen changes in life involves coming to terms with one’s own feelings. Whilst dealing with conflicting sentiments of reality, tenderness, and absence, I work on exploring these themes through media art.


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ASHLEY GUENETTE

Mes travaux interdisciplinaires résistent à la catégorisation; ils sont à la fois peinture et sculpture. Je ne planifie pas les œuvres. Ils sont des réponses à la matière et à l’espace issus d’impulsions initiales autour de la couleur, de la sensation ou de l’humeur. Je joue avec le processus de faire et de défaire, en fragmentant et en guérissant la surface. Je résous et je crée des problèmes au sein des œuvres en essayant de laisser une trace de leur fabrication et de la brutalité des matériaux. Les ruptures de l’œuvre et les matériaux mal assemblés créent une variété de surfaces au sein de la composition, permettant à la dimensionnalité de devenir partie du travail et de l’espace qui l’entoure. Je laisse la gravité prend des décisions pour moi, en inclinant légèrement l’œuvre, en se laissant tomber, se briser, se déchirer, se gratter et se salir. C’est cette contradiction qui détermine le résultat de mes œuvres.

My interdisciplinary works resist categorization; they are at once painterly and sculptural. I do not plan or preconceive works. Instead, they are reactive responses to material and space stemming from initial impulses around colour, sensation or mood. I play with the process of doing and undoing by splitting and healing the surface. I resolve and un-solve problems within the works in an attempt to leave some trace of their making or the rawness of materials. The ruptures of the piece and the poorly sewn or assembled materials create a variety of surfaces within the composition, allowing the dimensionality to become a part of the work and the space. I let gravity make decisions for me, tilting the piece slightly, letting it fall, break, rip, scratch and soil. This contrariness is what drives the outcome of my works.


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ATTICUS GORDON

Dans ma pratique, je crée et développe des mondes imaginaires avec leurs propres logiques et sensibilités. Mon outil de construction du monde est le collage. J'utilise le collage dans le sens traditionnel, mais aussi comme référence de départ pour la peinture. Le collage me permet de combiner des périodes de temps historiques et des espaces intérieurs / extérieurs. Mes mondes imaginaires sont remplis de récits partiels et de juxtapositions étranges. J’ai l’intention de jouer avec les attentes du regardeur, en les intéressant simultanément dans les détails et dans l’ensemble.

Le processus de fabrication est important. En expérimentant avec des matériaux, je développe une certaine intimité qui me permet de dévoiler des différentes manières de pousser le médium. Je cherche constamment à maintenir un fil enjoué et énergique tout au long de ma pratique. Jamais attaché à un médium spécifique, je suis attiré par les frontières et les opportunités entre les langages de la peinture et de l’installation.

In my practice I create and develop imagined worlds with their own internal logic and sensibility. My tool of world building is collage. I utilize collage in the traditional sense, combining different materials together, but also as a starting reference for painting. Collage allows me to imaginatively combine historical time periods and interior/exterior spaces. My imagined worlds are filled with partial narratives and strange juxtapositions. I intend to play with the expectations of the viewer, interesting them simultaneously in details and the whole.

The process of making is important; through experimenting with materials I develop a certain intimacy that allows me to unveil different ways I can push the medium. I’m constantly trying to maintain a playful and energetic thread throughout my practice. Never tied to a specific medium, I’m drawn to the boundaries and opportunities between the languages of painting and installation.


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CASSANDRA GOUTHRO

Dans ma pratique, j'explore l'invisible en capturant l'état médical caché de mon propre corps. J'étudie l'inconnu de ces symptômes invisibles qui sont importants pour moi. Les problèmes de mon corps ont radicalement changé en quelques années. Dans mes tableaux, je démontre une identité cachée de moi-même qui est invisible pour le regardeur. Mes œuvres explorent une nouvelle perspective de l'idée de l'autoportrait.

In my practice, I explore the unknown by capturing the hidden medical state of my own body. I investigate invisible symptoms that are significant to me. These problems of my body have changed dramatically over the course of a few years. In my acrylic paintings, I exhibit a hidden identity about myself that is unseen to the viewer. This new perspective creates discourse about the ideas of self-portraiture.


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CHARLOTTE

En utilisant la déformation et l’abstraction de l’image, je cherche à déconstruire notre perception de la réalité. Les problèmes de représentation picturale dans les images bidimensionnelles sont encore compliqués lorsqu'ils sont appliqués à un espace tridimensionnel. En juxtaposant des conceptions 2D sur des surfaces sculpturales 3D, mon travail existe dans les deux espaces et peut désorienter les regardeurs. Ces formes abstraites et illusoires peuvent être considérées comme des sculptures et des peintures hybrides comme des modèles 3D dans le monde numérique, tentant d'occuper l'espace dans le monde réel et imaginaire en même temps.

Through deformation and abstraction of imagery, I aim to deconstruct our perception of reality.  Issues of pictorial representation in two-dimensional imagery are further complicated when applied to three-dimensional space. By juxtaposing 2D designs onto 3D sculptural surfaces, my work exists in both spaces and may disorient viewers. These abstract and illusionary forms can be thought of as hybridized sculptures and paintings akin to 3D models in the digital realm, attempting to simultaneously occupy space in the real and imagined world.


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DAVID PERRAS

Mes pièces consistent d’une série de sculptures statique et cinétique abstraite et géométrique. Dans mes œuvres, je défie les valeurs utiles, ainsi qu’introduire des aspects temporels en créant des objets sans utilités comportant des pièces mobiles. J’utilise des matériaux couramment utilisés dans la construction et sape leurs utilisations communes pour créer des œuvres qui mettent l'accent sur leurs éléments formels distincts. J’essaie d’exploiter les idéaux architecturaux modernistes en utilisant des matériaux et des conceptions similaires lors de la création de mes œuvres. Ensuite, je subvertis leurs fonctions et processus normaux quand je crée des objets qui sont inutiles. Contrairement à l’architecture moderniste, la fonction prend une place secondaire dans mes pièces statiques. Dans mes œuvres cinétiques, leurs fonctions sont mises au premier plan, mais là encore, ne sert aucun but utilitaire. En créant des objets tridimensionnels mobiles, une quatrième dimension est introduite dans mes œuvres, car elles évoluent avec le temps.

My work consists of a series of kinetic and static abstract geometric sculptures. In my work, I challenge utilitarian values while introducing temporal aspects by creating seemingly useless objects that feature moving parts. I employ materials commonly used in construction, all the while subverting their expected functions. Modernist architectural ideals are undermined by creating static works that simultaneously accentuate the distinct formal qualities of the elements and remain non-utilitarian. In my kinetic works, their function is brought to the foreground, but again, serve no specific purpose. By creating moving three-dimensional objects, a fourth dimension is introduced to my works as they change over time.


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ELLA WRIGHT

La motivation principale de ma pratique artistique est d’explorer et à donner une voix aux histoires et aux pratiques des femmes en révèlent leurs assujettissements et leur dégradation systémique. Je m’intéresse aux conceptions telles que l’hystérie et les instituts psychiatriques qui étaient utilisés pour surveiller et contrôler les femmes. Dans mes œuvres, j’examine la continuation des idéologies patriarcales liées à l’hystérie et les asiles au présent alors que la féminité perçue est continuellement marquée, gouvernée, dépréciée, et restreinte.

J’utilise principalement les textiles comme médium pour examiner ces thèmes en raison de leurs minimisations partagées et leurs liens traditionnels à la féminité. J’utilise aussi la photographie, une intermédiaire qui est associée à des annales historiques, pour interroger le discours dominant qui est perçu comme objectif.

Dans ma pratique, j’ai l’intention à découvrir la fragilité de consentement et de pouvoir, qui ne doivent pas considérer à sa juste valeur, tout en réfléchissant sur l’arbitraire du destin et des circonstances.

The driving impulse of my artistic practice is to explore and give voice to the overlooked histories and practices of women by revealing their systemic subjugation and debasement. I am interested in historic concepts such as hysteria and asylum institutions which were used to police and control women. In my work, I examine the continuation of the patriarchal ideologies associated with hysteria and asylums into the present as perceived femininity is continuously labeled, governed, depreciated, and restricted.

Textiles are my primary medium to investigate these themes due to their shared diminishment and traditional connection to femininity. I also use photography, a medium associated with the historic record, as means of questioning dominant narratives that are perceived to be objective.

Through my practice I aim to uncover the frailty of consent and agency, which should not be taken for granted, while reflecting on the arbitrariness of fate and circumstance.


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EMILY NEUFELD

À l’aide des médiums de dessin, d’installation et de vidéo, mes œuvres sont ludiques dans leur approche. L'absurdisme et l'humour deviennent des outils pour obliger le regardeur à explorer son environnement et à être récompensé pour ses efforts, à intercepter des systèmes d'autorité et à incarner des identités alternatives comme moyen d'explorer le désir. Les choses souvent associées à l'immaturité - caricatures, vulgarité, convoitise de célébrités - sont empreintes du souci des adultes de l'expérience de la misogynie, de la sexualité et de gérer l'héritage non sollicité d'une planète en voie de disparition pleine d'imbéciles.

Using the mediums of drawing, installation, and video, my works are playful in their approach. Absurdism and humour become tools to force the viewer to explore their surroundings and be rewarded for their efforts, to intercept systems of authority, and to embody alternate identities as a means to exploring desire. Things often associated with immaturity – cartoons, vulgarity, lust for celebrities – are infused with adult concerns of experiencing misogyny, sexuality, and coping with the unsolicited inheritance of a dying planet full of idiots.


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EMMA SINCLAIR

Ma pratique consiste principalement à remettre en question ce que je vois. Je souhaite invoquer un sens général du questionnement chez le regardeur lorsqu'ils voient mon travail. Travaillant en dessin, l'aquarelle, les découpes de papier et les matériaux trouvés, je combine différents personnages et éléments pour créer des scènes et des interactions qui forment des récits subtils et difficiles à comprendre. Les personnages proviennent généralement de photographies, d’annonces publicitaires, et de journaux. Une fois retirés de leur contexte, ces éléments deviennent instables et le regardeur ne sait plus exactement comment ils doivent s'y rapporter. Mon intention est d’inviter les regardeurs dans des mondes émotionnels qui se trouvent en marge de notre expérience.

My practice is predominantly about questioning what I see. I aim to invoke a general sense of questioning within the viewer when they experience my work. Working through drawing, watercolour, paper cuts, and found materials I combine various characters and elements together to build scenes and interactions that form subtle narratives that are not easily interpreted. The characters themselves are generally sourced from photographs, advertisements, and newspapers. Once removed from their context, these elements become unstable and the viewer is no longer sure how they are to relate to them. With this, my intention is to invite viewers into quite emotional worlds that exist on the fringe of our experience.


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ERIN ARMSTRONG

L‘objectif de mon travail est d’invoquer la réflexion personnelle en tant qu’outil pour étudier les moyens que nous préservons, souvenons, et recréons des expériences personnelles. J'utilise la juxtaposition, la suspension, et la substitution pour déstabiliser et recontextualiser le sens de l'espace du regardeur, et créer des sculptures minimales qui stimule le cerveau à remplir l'espace négatif. Je pense que la malléabilité et la familiarité avec le regardeur sont essentielles à la production de sculptures dynamiques. Ils fournissent au regardeur un point d’entrée, qui les permettent de participer à l’expérience de chacune des pièces. Mon travail peut être interprété en tant qu’une sculpture tranquille, qui offre une exploration intime de la mémoire et évoque un questionnement de notre environnement passé, présent et futur.

In my work I aim to invoke self-reflection as a tool to study the ways in which we preserve, remember, and recreate personal experiences. I use juxtaposition, suspension and substitution to both destabilize and re-contextualize the viewers sense of space and create minimalist sculpture that stimulates the mind to fill in negative space. I believe malleability and familiarity to the viewer are integral to producing formally dynamic sculptures that provide the viewer with an entry point which allows them to participate in the experience of each piece. My work can be interpreted as quiet and contemplative sculpture that provides an intimate  exploration of memory and opens a conversation in which we can reflect on the environments that shape us through our past, into our present, and towards our future.


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ERIN TIMMINS

Dans mon travail, je conteste l'invisibilité des troubles mentaux avec ma pratique du portrait. J'explore la peinture acrylique pour présenter mes sujets sur des toiles brutes, non préparées. J'utilise des éléments additionnel telles que le fil à coudre dans la toile autour de diverses caractéristiques du visage. Ces médiums me permettent de manipuler l'image d’une manière qui suggère un inconfort et une tension dans la figure. Le fil me permet de réparer temporairement les blessures et les lésions que j'ai créées sur la surface de la toile afin de soutenir le souci de guérir. Mon sujet provient d'histoires diaristiques, de recherches scientifiques et d'interactivité. Les sujets de mon travail sont toujours tirés d’images trouvées pour des raisons d’éthique et de confidentialité. J'encourage les regardeurs à se connecter, à comprendre et à se familiariser avec les points communs entre les personnages de mes oeuvres.

In my work I challenge the invisibility of mental health disorders through my practice in portraiture. I am exploring painting with slow drying acrylic to introduce my subjects on raw, non-gessoed, and unstretched canvas. I use additive practices such as sewing thread into the cloth canvas around various features of the face. These mediums allow me to manipulate the image in ways to suggest discomfort and tension in the figure. The thread allows me to temporarily mend the injuries and lesions I have created in the surface of the canvas to support the concern of healing. My content derives from diaristic stories, scientific research, and interactivity. The subjects in my work are consistently from found imagery for ethicality and privacy reasoning. I encourage viewers to connect to, empathize with and familiarize oneself with the commonalities between the figures in my paintings.


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GEO SANTHOSH

Ma spécialité est la peinture et le dessin, utilisant principalement des peintures acryliques et à l'huile. Les sujets de mes œuvres incluent la nature morte, le paysage et les masques. Les masques sont présentement mon sujet d'intérêt, en raison du significance pour les thèmes suggérés par le masque tels que la personnalité, l'identité et la narration. Certaines de ces tableaux de masques présentent une personnification et un récit généraux créés par moi-même, tandis que d'autres présentent une signification au sein de ses cultures et traditions. L’arrière plan de mes œuvres sont généralement sombre pour attirer l'attention sur le sujet central. Ce type d’environnement amplifie les petits détails et la qualité éclatante des masques.

My specialty is painting and drawing, mostly utilizing acrylic and oil paints. The subjects of my works includes still-life, landscape, and masks. Masks are currently my subject of focus, because of my interest in the themes suggested by the mask such as persona, identity, and narrative. Some of these mask paintings present an overall personification and narrative which are created by myself, while others present a significance within its cultures and traditions. The background of my works are generally dark in tone to pull greater focus towards the central subject. This amplifies the smaller details and glowing quality of the masks. 


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HANNAH McConnell

Dans ma pratique, j'utilise la peinture à l'huile et acrylique pour créer des tableaux à grande échelle, représentant des personnages isolés existant dans des espaces imaginaires. Les sujets de mes œuvres sont principalement des femmes en suspense dans un espace inconnu. Les environnements que je crée n’ont pas de caractéristiques reconnaissables et sont destinés à créer une atmosphère ambiguë ouverte à l’interprétation des regardeurs. Les personnages ne sont pas entièrement présents dans l'espace, comme ils disparaissaient / émergeait de l'environnement. J'ai choisi de créer des œuvres à grande échelle dans le but d'impliquer que les atmosphères dépassent la toile, et pour que le regardeur puisse se sentir immergé dans l’œuvre. Je souhaite aborder le thème d'anxiété avec l'ambiguïté de mes œuvres.

In my practice I use acrylic and oil paint on canvas to create large scale paintings featuring lone figures existing in imaginary worlds. These subjects are primarily women caught in a moment of suspense. The environments I create have no recognizable features and are intended to create an ambiguous atmosphere open to the interpretation of the viewer. The figures are depicted not fully present within the canvas borders, as if they are disappearing or emerging from the environment surrounding them. I choose to create large scale works with the intent of implying the atmospheres continue off the canvas to encapsulate the viewer within them. Through the ambiguity of my pieces I aim to  address themes of mental health with an emphasis on anxiety.


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JENNIFER TANG

Dans ma pratique, j'explore mes identités hybrides en évoquant le déplacement du temps et de l'espace. Les cultures jouent un rôle important dans ma vie, car je suis née aux États-Unis de parents immigrants chinois, et j'ai grandi au Japon et au Canada. J'explore mes origines culturelles avec l'idée de déplacement et d'absence en juxtaposant les images en mouvement. En tant qu'artiste médiatique, j'utilise l'installation vidéo et une interactivité à multiples facettes pour manipuler le temps et créer un environnement imaginaire, qui serait autrement considéré comme ordinaire. Mon travail peut être interprété comme surréaliste et apaisant, car je reproduis les éléments de rêves et de souvenirs que j'ai vécus.

In my practice, I explore my hybrid identities by evoking the displacement of time and space. Cultures play an important role in my life, because I was born in the United States to Chinese immigrant parents and raised in both Japan and Canada. I investigate my cultural background with the idea of displacement and absence by juxtaposing moving images. As a media-based artist, I use video installation and multi-faceted interactivity to manipulate time and create an otherworldly environment that would otherwise be considered ordinary. Viewers may find my work surreal and calming, because I recreate the elements of dreams and memories that I have experienced.


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JINHUI WANG

Je questionne beaucoup sur mes identités, grâce à mes nombreuses expériences internationales. L’influence des différentes cultures dans les sociétés apparaît souvent dans mon travail comme sujet traité. Je travaille constamment sur un projet d’autoportrait, pour pouvoir comprendre moi-même avant de comprendre le monde. Le raisonnement philosophique fait partie de mon développent de concept. Mon dernier projet prononce sur la culture de voyage en masse, et comment cette culture révèle le désir caché des gens. Je travaille maintenant sur un nouveau projet à propos des influences culturelles exotiques dans les produits commerciaux, et comment cela affecte la vie des gens.

My artistic practice questions self-reflection and cultural differences in societies. I’m constantly working on self-portrait projects. I think in order to understand the world, it’s important to know myself first. Philosophical thinking is part of my practice. I worked with mass travel culture, exploring the link this has with my original cultural background and the irony of how the tourism industry reveals people’s true desire in a very undisguised way. I’m currently working on a “cultural exchanges” project that speaks about exotic cultural influences in a country’s popular culture industry and people’s daily life.


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KATHERINE KHEDNI WYATT

Dans mon travail, je défie et célébré le potentiel des matériaux jeté en les appropriant dans les traumatismes personnels des histoires ancestrales. En combinant des matériaux de tous les jours avec les peintures acryliques et à l'huile, je cherche à effacer idées préconçues de la société sur les objets à «usage unique». Les tableaux et les sculptures anciennes créées sous différents états de détresse sont contextualisés dans de nouvelles œuvres, dans lesquelles mon état mental ultérieur réfléchit et apprend de catharsis précédente. Cette activité d’ancrage est étendue au regardeur en encourageant l’engagement physique avec l’œuvre, reflétant sur notre instinct tactile en tant qu’espèce.

J'aimerais que les regardeurs de mon art considèrent les notions personnelles, et comment la valeur de biais peut indirectement soutenir l'inégalité systématique. Mon travail peut être interprété comme la perte culturelle et de traumatisme collectif, concernant la souffrance des corps marginalisés comme une force et une connaissance pour le cheminement à un avenir meilleur.

In my work I challenge and celebrate the potential of discarded materials by appropriating them into the personified trauma of ancestral and personal histories. Combining discarded everyday materials with acrylic and oil paint, I aim to efface (replace with erase) societal preconceptions held on items declared “single-use.” Past paintings and sculptures created under various states of distress are recontextualized into new works in which my later mental state reflects upon and learns from the former catharsis. This grounding activity is extended unto the viewer by encouraging physical engagement with the work, reflecting upon our tactile instinct as a species.

I would like viewers of my work to reconsider personal notions of value-bias and how this may indirectly support systematic inequality. My work can be interpreted as the redirected energies of cultural loss and collective trauma, regarding the suffering of marginalized bodies as strength and knowledge to work towards an improved future.


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KIANA DARVISH

Mon travail explore les thèmes du portrait, et l'élément qui qualifie une personne pour être sujet d’un portrait. Je peins des individus que j'ai rencontrées et qui ont résidé avec moi d'une manière ou d'une autre - des personnes qui ont fait face à des épreuves qui peuvent, ou ne peuvent pas, être vues à l'œil nu. En utilisant différents motifs pour communiquer de la vie de l’individu et en peignant pour combiner de multiples sources d’images, j’explique leurs présences dans ce monde. Je ne m'intéresse pas à la réalité ou à la technicité de la peinture; je suis intéressé par la conversation entre le sujet et le regardeur. J'utilise la peinture pour dire la vérité sur les gens aux gens.

My work explores the themes of portraiture and what qualifies a person to be painted in a portrait. I paint individuals that I have met and have resided with me in some way -- people that have faced hardships that can or cannot be seen by the naked eye. Using different motifs to communicate the individual’s life and painting to combine multiple source material, I bring to light their presence in this world. I am not interested in the reality or the technicality of painting; I am interested in the conversation between the subject and the viewer. I use painting to tell the truth about people, to people. 


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MACKENZIE WEGMAN

Dans mon travail, j'explore la sensualité et défie les tabous intrinsèquement établis de discours sexuel. Une déstabilisation des normes de genre est obtenue en insistant de manière satirique sur la glorification sexualisée d'objets manufacturés. Ces thèmes jouent un rôle essentiel dans le développement des normes insurmontables des idéaux féminins et masculins. J'utilise des matériaux industriels pour créer un dialogue entre les thèmes de la sexualité. La structure sociale inhérente à la masculinité se retrouve dans mon travail à travers la structure naturellement dure, froide et phallique de la matérialité du métal. Les textiles et les cheveux sont juxtaposés au métal pour produire une analyse des aspects doux et nourrissants du féminin idéalisé. Ces matériaux se retrouvent constamment dans l’unité de mon travail et ont pour objectif de brouiller la distinction entre masculin et féminin comme deux manières d’être distinctes.

In my work, I explore sensuality and challenge the intrinsically established taboos of sexual discourse. A destabilization of gender norms is achieved by satirically emphasizing the sexualized glorification of manufactured objects. These themes play a critical role in the development of the insurmountable standards of feminine and masculine ideals. The inherent social structure of masculinity is found in my work through the naturally harsh, cold, phallic structure of the materiality of metal. Textiles and human hair are juxtaposed with the metal to produce an analysis of the soft, nurturing aspects of the idealized feminine. These industrial materials continuously reoccur in unity throughout my work and exist to blur the distinction of masculine and feminine as two separate ways of being.


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MADISON REA

La discipline la plus explorée dans mon travail est la sculpture, utilisant des médiums tels que l’impression 3D, la découpe laser, le moulage et l’utilisation d’objets trouvés. L’objectif de mon travail est d’étudier et rechercher les relations de l’humanité avec le monde naturel. J'explore les systèmes écologiques et technologiques et la façon dont ces systèmes sont interconnectés. Je questionne comment la domestication de notre environnement du passé et présent a joué dans la dynamique du pouvoir de la relation humain-nature et dans la manière dont elle contribue à notre climat social aujourd'hui.

The discipline that is most explored in my work is sculpture, using mediums such as 3D printing, laser cutting, mould making and the use of found objects. The objective of my work is to study and investigate humanity’s relationship with the natural world. I explore both ecological and technological systems and how these systems are interconnected. I specifically question how domestication of our environment in the past and the present has played into the power dynamics of the human versus nature relationship and how it is contributing to our social climate today.


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MAEGAN BECK

Grâce à mes œuvres, je souhaite encourager les dialogues sur la mémoire, la perte, et le deuil. Les attentes du souvenir sont continuellement déstabilisées par les représentations alternatives de la commémoration. Au sein de ma photographie et peinture, les thèmes de la nostalgie se retrouvent à travers des images d'espaces abandonnés; ces images réfèrent à le passé tout en soulignant la dégradation structurelle des immeubles domestiques et l'importance de la temporalité et du temps. Dans mon travail textile, les matériaux tels que les tissus discontinués et la soie à broder soulignent la délicatesse de la pointe de l'aiguille aussi bien que la force et la précision du fil. Ce long processus me permet en outre de réfléchir à travers les techniques méticuleuses et méditatives de la couture. Ainsi, en couture, il y a catharsis -  à la fois un mode de réflexion et de réparation.

Through my artworks, I wish to encourage dialogues surrounding memory, loss, and grieving. Expectations of remembrance are continuously being destabilized through alternative representations of memorialization. Within my photography and painting, themes of nostalgia and longing reoccur through imagery of abandoned spaces; these images reminisce for the past while simultaneously highlighting the structural decay of domestic structures and the significance of temporality and time. In my textile work, materials such as deadstock fabric and embroidery silk emphasize the delicacy of needlepoint while stressing both the strength and accuracy of thread. This time-consuming process additionally allows me to reflect through the meticulous and meditative techniques of needlework. Thus, in sewing, there is catharsis — both as a mode of reflection and repair.


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MARTIN VUONG

Mon travail est une exploration de la culture avec l’art de la peinture. En tant qu’artiste figuratif, les personnes avec qui j’interagis et qui je connais personnellement deviennent une source d’inspiration pour mon art. Cependant, comme je vis à une époque où les images et les informations sont si accessibles, des choses et des scènes que je n’ai jamais vues ou vécues dans ma vie apparaissent également dans mes tableaux. Les cultures, les philosophies et l’histoire deviennent des sujets dans mon travail. Les concepts et expressions exclusifs dans une seule langue peuvent devenir visibles pour tous avec mes œuvres. À l’aide de photos originales et trouvées, je personnifie ces éléments dans des portraits surréalistes.

My work is an exploration of culture through the art of painting. As a figurative artist, people I interact with and know personally become a source of inspiration for my art. But, as I live in a time where images and information are so accessible, things and scenes that I have never seen or experienced in real life also appear in my work. Cultures, philosophies, and history become my muses. Concepts and expressions exclusive in one language can become visible to all through my paintings. With the help of found and original photography, I personify these elements into surreal portraits.


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palwasha qazi

En tant que migrante d'origine afghane, je m'inspire de l'expérience de la nouveauté dans tous les aspects de la vie. Mes tableaux sont des métaphores et agissent comme des archives complexes de ma mémoire et de mon expérience: où j’ai été et mon cheminement. Ils parlent de la maison et ma relation à la terre et au passé. Alors que les souvenirs s'éloignent de l'esprit avec l'âge, je me tourne vers ce qui pourrait encore résider dans mon corps. Le travail de pinceau expressionniste me permet de transférer cette histoire incarnée dans une archive de peinture, reconstituant mon histoire de l'intérieur, retracer le mouvement et combler les écarts. Le processus de superposition, de jouer avec la transparence, de création de couleurs et de leurs effacements pour les révéler à nouveau, reflète ma façon de réfléchir à mes souvenirs et de tenter d’appeler le passé sous le présent.

As a migrant from Afghanistan, I draw from the experience of encountering newness in every aspect of life. My paintings are metaphors and act as complex archives of my memory and experience: where I have been and how far I have come. They are about home and my relationship to land and the past. While memories slip away from the mind with age, I turn to what might still reside in my body. Working through expressionist brushwork allows me to transfer this embodied history into an archive of paint, reconstituting my history from within, retracing movement and filling the gaps. The process of layering, playing with transparency, building up colours and erasing them to reveal anew, mirrors the way I reflect on my memories and try to call the past from beneath the present.


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Pauline semaan

Mes tableaux et mes collages dépeignent des corps dans divers états de fragmentation. À l’aide de ces figures divisées, j'explore le conflit intérieur entre ma tendance à être timide, prudent et retenue, et mon désir d'aller au-delà du confort et de la sécurité des limites que je m’impose. En utilisant la peinture acrylique, le canevas ou les tissus, et des matériaux de couture, j’assemble et je superpose des éléments différents pour transformer des images autrefois familières, en des images de figures étrange et obscure. Cette représentation surréaliste de photos personnelles communique le sentiment de désaccord et la manque de familiarité qui peut exister dans ce qui devrait être familier – le soi.

My paintings and collages depict bodies in various states of fragmentation. Through these divided figures, I explore the inner conflict between my tendency to be withdrawn, careful, and restrained, and my desire to go beyond the comfort and security of self-imposed limits. Using acrylic paint, canvas or cloth, and sewing materials, I assemble and layer different elements in order to transform once familiar images into ones of strange, obscure figures. This surreal portrayal of personal photographs conveys the sense of disunity and unfamiliarity that can exist within that which should be familiar – the self.


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Ma pratique de la peinture a porté une attention particulière au corps humain et à ses liens avec d'autres corps, lieux et choses. Je travaille avec des peintures à l'huile et préfère le papier ou les panneaux de bois comme surface. C’est tout au long de mon processus que je découvre et déploie les traits bizarres du mondain, qui deviennent tout aussi importants que l’oeuvre finale. J'essaie d'identifier et de capturer des mouvements particuliers dans le temps et dans l'espace. Je cherche des gestes subtils ou des mouvements qui agissent en fonction de leur environnement. Ces gestes peuvent créer un moment étrange quand l'accent est mis sur une compréhension plus profonde de nos comportements avec les autres et de l'atmosphère émotionnelle créée. Les gens ordinaires et leurs activités normales nous amènent à notre sens personnel du chez nous. Je reconnais l'absurde, car nous y sommes tous soumis. J'exhorte le regardeur à s'arrêter et à regarder encore.

My painting practice has paid close attention to the human body and its connection to other bodies, places, and things. I work with oil paints and prefer paper or wood panels as a painting surface. It is through my painting process that I find and unfurl the quirky features of the mundane, which becomes just as important as the finished piece. I try to identify and freeze peculiar movements in time and space. I look for subtle human gestures or movements that act in accordance with their surrounding environment. These gestures can create an odd moment when emphasized and speak to a deeper understanding of our behaviours with others and the emotional atmosphere created. Everyday people and their not-so-peculiar activities ground us to our personal sense of home. I acknowledge the absurd, because we are all subject to it. I urge the viewer to stop and look again.


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SARah jasmine hodgson

Ma pratique examine les relations entre l'humain et la technologie, ainsi que la relation de la technologie avec le monde naturel. Explorer ces thèmes pour moi est une façon d’humaniser la mécanique et de la réutiliser. Je suis une artiste basée sur la photo qui travaille avec la photographie analogique et numérique, et ma pratique se ramène souvent à la vidéo ainsi qu’à l’installation sculpturale. Mon processus photographique implique un niveau d'abstraction, où l'image ou la source d'origine est transformée à travers de couches de manipulations technologiques ou d'expérimentations logicielles qui dégradent et altèrent l'image. Cette manipulation abstraite de l'image présente souvent des similitudes avec la peinture au niveau formel: marques, qualités gestuelles, couleur et composition. La relation entre peinture et photographie est un sous-texte tout au long de mon travail.

My practice examines relationships between human beings and technology, as well as technology’s relationship to the natural world. Exploring these themes is a way for me to humanize the mechanical and to repurpose. I am a photo-based artist working in analog and digital photography, and my practice frequently branches into video and sculptural installation. My photographic process involves a level of abstraction, where the image or original source is transformed through layers of technological manipulation or software based experimentation that degrades and alters the image. This abstract manipulation of the image often bears similarity with painting on a formal level: marks, gestural qualities, colour, and composition. The relationship between painting and photography is a subtext throughout my work.


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Sophie jacques

J'utilise la photographie comme un moyen de documenter le monde des petites villes autour de moi. C'est un mode de vie inconnu, comparé à l'expérience de mes collègues. Je fais des photographies qui attirent l'attention sur les objets et les espaces modestes de la vie à la campagne, qui inclut des objets que certaines personnes utilisent quotidiennement. Cette exploration des sujets négligés m'aide à approfondir mes relations avec ma communauté. Mon objectif est de faire des photographies qui incitent les regardeurs à interagir avec les aspects étranges et farfelus de la vie rurale et à réfléchir à leurs idées préconçues sur la vie à la campagne.

I use photography as a means to document the small-town world around me that is a very unfamiliar way of living compared to the experiences of my colleagues. I make photographs that call attention to the objects and spaces of the humble way of country living which includes objects that some people may rely on daily. This exploration of the overlooked helps me engage more deeply with my community. My goal is to make photographs that draw viewers to interact with the weird and wacky aspects of rural living and reflect on their preconceived thoughts of rural life.


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TIMÉ FREEDMAN

Dans mes œuvres j’aime expérimenter et illustrer la temporalité de l’art dans la société moderne. Je produis mes œuvres en utilisant et créant des combinaisons et superpositions d’objets ou morceaux, de façons aléatoires et délibérées. Ceci me permet d’interagir avec mon environnement quotidien et de créer des liens avec notre culture urbaine, ainsi que l’art présent au sein de cet environnement. Je suis particulièrement intéressé dans l’existence brève d’une œuvre d’art, car cela crée une appréciation plus puissante pour l'œuvre. L’utilisation de matériaux à la fois traditionnels et non traditionnels, tels que des matières réutilisées ou jetées, est très importante dans mon art. Ceci me permet non seulement d’attacher une valeur à des objets qui apparaissent banals, mais permet à l’art de sembler plus accessibles à tous et à critiquer la hiérarchie présente au sein des galeries et académies.

In my work, I like to illustrate and experiment with the temporality and hierarchy of art in our modern day society. I create my works using both impulsive and deliberate combinations and layering of objects or pieces found in my everyday environment. This allows me to interact with my surroundings and relate my work to our urban culture and the art that is present within it. I am particularly interested in the brief lifespan of an artwork, which significantly increases our appreciation for the piece. The mix of traditional and unconventional art mediums, such as disposed and found materials, serves many purposes in my work. Not only does it place value on the materiality and cheap aspects of the object, but it allows art to seem more accessible for all and to poke at the high pedestal on which we place gallery and academic art.


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Yvonne Shew

Dans mon travail, j’explore l’art du quotidien en utilisant des images et des thèmes rassemblés dans des contextes vernaculaires et spécifiques à l’art dans lesquels je me trouve. J’utilise la peinture acrylique, l’encre et des techniques mixtes pour créer des œuvres de format carré et à petite échelle. La petite taille permet à une expérience tactile et intime personnel, tandis que la forme facilite le partage d’images sur Instagram, ce qui donne une expérience non tactile du travail. Je souhaite que les regardeurs de mon travail fassent des liens à leurs propres expériences quotidiennes de l’art. Mon travail peut être interprété comme une exploration journalière de l’art et de sa production.

In my work I explore art in everyday life, through images and themes collected from the vernacular and art specific contexts in which I find myself. I use acrylic, ink, and mixed media on board to create small scale, square format works. The small size allows for an intimate and tactile experience in person, while the shape aids in posting images to Instagram, which gives a non-tactile experience of the same works. I would like viewers of my work to connect it to their own everyday experience of art, while interpreting it as a diaristic exploration of art and art making.


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Ziyu qin

En tant qu’artiste, je développe des œuvres photographiques et multimédias sur des réalités alternatives. Ces mondes alternatifs reflètent mes souvenirs et mes expériences de vie au sein de la culture chinoise. En combinant différents médiums, je tente de recoder ma vie de manière à ce que les regardeurs puissent le comprendre. Mes œuvres peuvent être perçues par certains regardeurs et constituer une occasion d’apprentissage pour d’autres. Je travaille également sur des installations interactives, où les regardeurs peuvent explorer mes idées et ma culture par eux-mêmes.

As an artist, I work to develop photography and multimedia works about alternate realities. These alternate worlds reflect my memories and life experiences within Chinese culture. By combining various mediums, I attempt to recode my life in a way that can be relatable to viewers. My artwork may resonate with some viewers and provide a learning opportunity for others. I am also working on interactive installation, where viewers can explore my ideas and my culture by themselves.